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Apuntes de fotografía: Recursos y técnicas básicas de fotografía analógica, de Jordi Gumí (Editorial Gustavo Gili) | por Francisca Pageo

Jordi Gumí | Apuntes de fotografía: Recursos y técnicas básicas de fotografía analógica,

Jordi Gumí fue un fotógrafo especializado en varias vertientes ( industrial, comercial y editorial ), además de profesor de fotografía en la Escuela Massana de Barcelona. De aquella experiencia académica surge este libro lleno de apuntes y consejos sobre fotografía analógica. Los apuntes, grosso modo, son los mismos que daría a sus alumnos durante las clases en esta escuela. Así, en el libro se nos muestra la evolución de la fotografía analógica (la cámara oscura, el daguerrotipo, el calotipo…), así como la expansión de la fotografía de diferentes formatos (6×6, 35mm, etc), explicando cómo se ha desarrollado la fotografía en este campo y cuáles son las diferentes formas de captar una imagen.

Gumí también nos hablará de la cámara y sus aspectos más técnicos, proporcionándonos consejos a la hora de tomar una fotografía. Se nos habla de los diferentes tipos de cámara y las partes que la componen, a la vez que nos acerca a los diferentes mecanismos que posee: enfoque, diafragma y obturador, además de las relaciones entre estos. El material fotográfico también forma parte del libro, ofreciéndonos así los diferentes medios y emulsiones químicas que pasarán a proceder para lograr hacer que la imagen salga reflejada en los diferentes tipos de papel que hay.

Gumí comenta los diferentes aspectos que trae consigo la iluminación a la hora ya no sólo de hacer una fotografía, sino también de revelar. Se hace necesario poseer conocimientos de química a la hora de esto último, ya que es gracias a los distintos líquidos químicos que podemos llevar a cabo el revelado. El profesor, de este modo, nos habla del laboratorio, de las fases que tiene el revelado (dependiendo de si se trata de una película en blanco y negro, como en color o diapositiva).

Quitando las partes más técnicas, el fotógrafo también nos enseña las diferentes partes en que se lee una fotografía y su composición. Nos dice de qué manera leemos las imágenes, cómo deberían hacerse si queremos que el efecto sea real o irreal, cómo según las diferentes posiciones desde donde las hacemos cambia totalmente la percepción que tenemos de una imagen. Además, se explican algunos trucos y consejos a la hora de fotomanipular en el laboratorio.

Sin duda estamos ante un manual que recoge los principios básicos de la fotografía analógica y su revelado, con todo lo que ella conlleva. Este libro nos ayudará y nos dará los pasos clave a la hora de adentrarnos en este mundo de disparos, de emulsiones y sales de plata y nos invitará a ser partícipes de todo el proceso que abarca el acto de fotografiar. Podemos convertir nuestro baño (si en él hay espacio) en un laboratorio tapando todas las ventanas y poniendo una luz roja, comprando los líquidos a laboratorios y hacerlo todo por nuestra cuenta, o bien podemos mandarlo al laboratorio a revelar y dejar nuestras fotografías en manos de otros. Con este libro, a buen seguro, nos darán ganas de hacer lo primero.

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Bos Taurus, de Ramón Zabalza (Ediciones Asimétricas)  | por Francisca Pageo

Ramón Zabalza | Bos Taurus

La tauromaquia no es algo con lo que estemos de acuerdo la mayoría del mundo. Es un hecho que la empatía propia del ser humano sienta como un peligro la tauromaquia para ese animal que es el toro y que concebirla como algo bueno sólo es plausible para unos pocos, para aquellos que lo festejan y lo disfrutan.

Ramón Zabalza, antropólogo y fotógrafo del que ya hemos hablado anteriormente con su fotolibro DÓNDE, nos trae bajo Bos Taurus el reflejo del mundo del toro de una manera sincera y apabullante. El autor va más allá de lo que podemos pensar o sentir frente a este, y en su libro nos muestra al toro y a sus acompañantes de una manera lúcida y objetiva, sin caer en efectismos ni sentimientos.

El autor no se queda en la denuncia del maltrato que percibe el toro, sino que simplemente nos muestra el lado antropológico, social y cultural que arrastra tras de sí la tauromaquia. Pese a que la que está escribiendo esto se halla en la posición de antitaurina, y no está a favor de este mundo en el que el maltrato está a la orden, hay que reconocer que Zabalza ha sabido plasmar en ambos bandos lo que la tauromaquia implica.

Zabalza nos invita a reflexionar sobre la vida animal, nos invita a que pensemos sobre el toro y los toreros y todas las fiestas que hay en torno a ellos. Sin duda, España es un país que tiene la tauromaquia como fiesta principal y vende un turismo de interior (y también exterior) que hace de estos festejos, ya sean los Sanfermines o el Toro Jubilo de Medinaceli, como algo que pertenece a nuestro folklore; el cual, cómo negarlo, es un síntoma de que de alguna manera pensamos sobre lo que hacemos. En las palabras del autor: «los espectáculos de toros son una amalgama de miedo, libertad, excesos y emociones encontradas», ya sea para el bando de los antitaurinos, como para aquellos que aceptan este modo de disfrute.

El fotógrafo escribe sobre la moral, nos invita a conocer un mundo que nos hace reflexionar y nos hace enmudecer porque no logramos encontrar las palabras adecuadas. Las anotaciones del propio autor ante sus vivencias taurinas se hallan aquí como una ventana a sus pensamientos y lo que observa. El tono narrativo nos hace leerlo como si lo hiciéramos ante una novela, y dan un aporte adicional y complementario a las fotografías en blanco y negro que aquí se muestran. Estamos ante fotografías duras y enérgicas. Por momentos, me cuesta adentrarme en las páginas por la crudeza y dureza de algunas de ellas. Es un libro que nos explica las vivencias que toreros, animales y el propio Zabalza dejan tras de sí.

Para Zabalza, Bos Taurus aspira a la antropología visual porque en él se potencia el significado del conjunto que texto e imagen reflejan. Esto hace que el discurso de Zabalza resulte coherente y obtenga un sentido lúcido e inteligente sobre lo que hallamos. El libro simboliza una manera de entender el porqué de la tauromaquia, y nos abre a un debate en el que no pocos entraríamos a discutir debido a lo complejo del tema ante el que nos encontramos.

Ramón Zabalza | Bos TaurusRamón Zabalza | Bos TaurusRamón Zabalza | Bos TaurusRamón Zabalza | Bos Taurus
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Lucy ZharikovaLucy ZharikovaLucy ZharikovaLucy ZharikovaLucy ZharikovaLucy Zharikova

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Un sistema gráfico para las cubiertas de libros. Hacia un lenguaje de parámetros, de Rosa Llop (Editorial Gustavo Gili) | por Francisca Pageo

Wisława Szymborska | Un sistema gráfico para las cubiertas de libros. Hacia un lenguaje de parámetros

Rosa Llop, investigadora y docente en la escuela Elisava de Barcelona, es una ex-diseñadora gráfica que ama el diseño. En este libro, el cual está basado en una tesis, se adentra en los mecanismos que gobiernan el diseño gráfico y su mensaje. Así, se apoya en demostrar que el diseño sigue una serie de funciones codificadas que se basan en la construcción de diversos patrones a la hora de crear un mensaje gráfico.

El diseño gráfico no puede ser diseño gráfico si no va acompañado de un mensaje y sus representativos códigos. Así mismo, la autora de este libro nos embarca en el proceso a seguir para crear una portada y cubierta de libro basada en la simbolización gráfica que lo define y sintetiza de manera que podamos abordar este tipo de proyecto de un modo reflexivo, directo y adecuado. La autora nos introduce en el diseño gráfico en referencia a los parámetros que encuentra el diseñador a la hora de llevar a cabo un proyecto visual. Las referencias que nos aporta Llop son múltiples, mostrándonos así todo un entramado estratégico y decisivo para la creación gráfica.

Llop nos enseña por encima la historia del diseño gráfico y cómo este ha ido cambiando conforme la industria se ha modernizado. Nos habla de las diferentes estrategias a la hora de hacer la portada de un libro. Como indica Daniel Gil, es necesario que la cubierta atrape al lector. Y es de este modo que todas las referencias que nos da Rosa Llop son así, cubiertas que hacen que nos fijemos en cómo han sido creadas y cómo son en su resultado final.

En el libro se exponen las distintas codificaciones que se pueden hacer a la hora de representar el título y contenido de un libro. Hay un análisis visual a través del lenguaje gráfico que tiene la cubierta y Llop los analiza y expone de manera persuasiva y muy inteligente. Las múltiples referencias y portadas que salen en esta edición nos dan un ejemplo de las diferentes maneras de plasmar lo que queremos transmitir. La autora, de esta manera, nos enseña todo el lenguaje gráfico que una portada ha de tener: los puntos de atención, la proporción, el peso, el color… De todo ello se habla aquí y nos ayuda o ayudará a seguir el proyecto visual que la portada de un libro (o incluso el diseño gráfico en sí mismo) tiene tras de sí. La percepción juega un papel fundamental aquí y es gracias a ella que podemos leer las diferentes cubiertas que nos proporciona el diseño editorial.

Estamos sin duda ante un libro técnico y aun así inspirador realmente completo y analítico sobre el sector editorial y creativo. Un libro que nos ayuda a leer las portadas así como a crearlas, aprendiendo amablemente los diversos aspectos que hay que tener en cuenta. De hecho, resulta fundamental tener en consideración los códigos que el mismo diseño gráfico tiene para sí mismo, especialmente ante lo que nos hallamos aquí, la cubierta de un libro, aunque los parámetros y el lenguaje vengan a ser los mismos. De este modo, el libro de Rosa Llop se vuelve indispensable para que aquel diseñador editorial que se embarque en la cubierta de un libro tenga en cuenta todos esos detalles y consideraciones que nos muestra la autora.

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Conversaciones con Peter Mayer, de Milton Glaser (Editorial Gustavo Gili)Traducción de Álvaro Marcos | por Francisca Pageo

Milton Glasser | Conversaciones con Peter Mayer

En esta pequeña edición de Gustavo Gili encontramos un librito que recopila tres conversaciones -o, mejor dicho, tres grandes conversaciones-, que el diseñador Milton Glaser mantuvo con el editor Peter Mayer. En ellas, se reflexiona sobre el diseño y el arte, tanto de manera personal como profesional, pues ambas facetas estarán en la vida de estos señores de manera plena y completa.

Milton Glaser ha expuesto tanto en el MOMA de Nueva York como en el Centro Pompidou de Paris; no en vano, se trata de uno de los más grandes diseñadores gráficos que ha habido en USA y que ha dado de su trabajo lo mejor de sí. Peter Mayer tuvo la ocasión de hablar con él en diferentes ocasiones y ello quedó registrado, lo cuál hace de este libro un pequeño boceto sobre lo que el arte y el diseño nos pueden ofrecer.

Adentrándonos un poco más en el libro, en él se explican las diferencias entre el arte y el diseño gráfico. Las obras de arte alteran nuestra percepción de la realidad, nos emocionan y nos avivan, mientras que el diseño viene determinado por la transmisión de un mensaje y un receptor diferente al que va destinado el arte. Para Milton Glaser, resulta importante tener una visión crítica de por qué razón se diseña y para qué.  Es esencial que el diseñador gráfico se instruya visualmente, que se empape de cultura, que conozca lo que le rodea y se inspire, esencialmente, en trabajos ajenos a su hacer como diseñador, pues todo ello le dará una visión más completa de lo que ha de transmitir y hacer. Para Glaser, hay que tratar que la práctica del diseñador sea un motor para el desarrollo personal aparte del profesional, pues sólo así el ser humano que se dedique a ello podrá estar casi siempre inspirado, podrá tomar anotaciones e ideas en el momento menos inesperado, podrá estar abierto a lo que el mundo puede ofrecerle.

Milton Glaser habla de los problemas a los que se enfrenta el diseñador, como la libertad a la hora de llevar a cabo un trabajo determinado o el hecho de tener que estar informado de lo que acontece en el mundo -y en el mundo del diseño. El diseñador estadounidense nos explica qué es el diseño: intervención en el flujo de acontecimientos con el fin de provocar un efecto deseado, la introducción de un componente intencional en los asuntos humanos y aquello que transforma las condiciones de existencia que las cosas tienen de partida. Estas tres definiciones se entremezclan entre sí la inmensa mayoría de las veces, haciendo que el diseño sea algo fundamental en la vida de hoy y haciendo que la figura del diseñador sea de vital importancia. Para Milton Glaser, una de las tareas entre el diseñador y el cliente es la de entender qué se está mirando, para él es fundamental y se ha de tener claro esto para llevar a cabo cualquier trabajo visual en los que el mensaje sea algo clave.

Para Glaser, además, el arte ha de ser un trabajo. Un trabajo que se implique como función en nuestra vida humana y que nos haga ir más allá (Glaser nos muestra un ejemplo de cómo ha evolucionado el arte en estos últimos siglos), que nos haga ver la vida de una manera más espiritual y honesta con nosotros mismos y hacia los demás. El arte ha de tener un propósito. Para el diseñador, las artes son como un mecanismo de supervivencia de nuestra especie. Milton Glaser no sólo nos hablará del diseño y el arte, sino también de la sociedad en la que vivimos. El autor nos expondrá claramente sus ideas respecto a ella y cómo esta se muestra ante nosotros en el terreno visual. Glaser también nos proporcionará trucos y tips para ayudar a los diseñadores gráficos a la hora de llevar a cabo un proyecto; más que nada porque es su experiencia la que nos habla.

De este modo, estamos ante un libro muy completo sobre la tarea del artista y el diseñador en la época en la que nos encontramos, ya que los dos protagonistas de este libro nos enseñan a mirar y a ver cómo las diferentes tareas visuales que tienen ambos -arte, diseño y edición-, siempre van de la mano.

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Fotografiar del natural, de Henri Cartier-Bresson (Editorial Gustavo Gili) Traducción de Núria Pujol i Valls | por Francisca Pageo

Henri Cartier-Bresson | Fotografiar del natural

Henri Cartier-Bresson fue uno de los más importantes fotógrafos del S.XX, fundador, junto a Robert Capa, de la afamada agencia parisina Magnum. También un gran fotoperiodista que retrataría la historia como pocos y que, además de ello, se adentraría en la teoría fotográfica para ofrecer su particular visión. Es, de este modo, que estamos ante Fotografiar del natural, una pequeña recopilación de diferentes textos y ensayos sobre la fotografía y diversos artistas contemporáneos al autor. Un texto escrito desde el corazón, donde la fotografía juega el papel principal y nos lo expone como medio de vida. Para Cartier-Bresson, el fotógrafo ha de desnudarse, exponerse con sus consecuencias en su hacer fotográfico. Para él, «hay que fotografiar siempre partiendo de un gran respeto por el tema y por uno mismo.»

En El instante decisivo, quizás el texto más famoso y de los más interesantes del autor, nos expone su vida y nos entrega unas palabras sobre la fotografía extremadamente esclarecedoras. Para Cartier-Bresson la tarea del fotógrafo es la de fijar la realidad, todo esto visto bajo el punto de vista de su trabajo, el de reportero gráfico. También nos expone las semejanzas y diferencias entre la pintura y la fotografía, haciendo hincapié en cómo esta última es menos artificiosa y más objetiva. El autor nos habla de la composición, del color, de los clientes, de la geometría en la fotografía, ofreciéndonos un análisis lúcido de cómo esta llega o debería llegar a nosotros, los espectadores, o los mismos clientes que el fotorreportero tiene.

Para Cartier-Bresson la fotografía es un instante, algo que nace dentro de nuestro ser y que al observar acciona, por inercia, el clic en la cámara; pero todo ello lo hace con conocimiento, con sabiduría, con un saber mirar y saber hacer. Y es que hay algo confesional en sus escritos, como si tuviera la necesidad de escribir sobre lo que le acontece, sobre sus sentimientos y pensamientos más íntimos respecto a la imagen. Cartier-Bresson no se muerde la lengua y habla de manera directa y sin miramientos. También nos habla de sus viajes, de cómo ve otros países y cómo se halla ante ellos. La política jugará un papel importante en ellos, como podemos ver en su viaje a Cuba en 1963, donde fotografiará al Che Guevara.

El autor también nos hablará de diferentes artistas y fotógrafos, como Giacometti, Ernst Haas, Doisneau, Sarah Moon, Robert Capa, André Kertesz, entre otros. No duda en exponer sus opiniones, en exponer la manera en la que ve a estos artistas o la cercanía que tendría con ellos. Algunos de ellos serán amigos íntimos suyos y les dedicará unas palabras.

Estamos sin duda ante un libro excepcional que, aunque corto (apenas llega a las 100 páginas), nos acerca al pensamiento de este fotógrafo tan maravilloso y que tanto nos ha dado a la hora de descubrir y conocer la Historia, ya sea de manera escrita o visual, sobre todo esta última. Un libro esencial para fotógrafos y todos aquellos interesados en este medio y en el arte en sí, pues nos aporta una visión particular sobre el arte y la fotografía.

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Dónde, de Ramón Zabalza (Ediciones Asimétricas) | por Francisca Pageo

Ramón Zabalza | Dónde

De vez en cuando, me asalta a la vista un/a fotógrafo/a que me deslumbra por completo y me envuelve en un universo particular y diverso del que no puedo salir. Yo los llamo fotógrafos burbuja, pues tienen un don particular en su hacer y saben ir más allá de lo que cualquier otro fotógrafo llega. En esta ocasión tenemos a Ramón Zabalza, autor que desconocía por completo y que Ediciones Asimétricas nos invita a descubrir con su fotolibro, enorme fotolibro, Dónde.

Dónde es una recopilación del trabajo de Zabalza en torno al paisaje, que va también acompañado de texto y memoria. Un texto y memoria que nos acerca la fotografía como medio mediante el cual observar lo que está ahí y nos atañe, lo que está ahí y no vemos y lo que está ahí sin más.

En el prólogo, Eduardo Martínez de Pisón dice que el paisaje es un territorio dotado de expresión y significado, dice que «lo primero que pide un paisaje es una mirada. Pero no todo el mundo mira los paisajes, no todos ven el mundo como paisaje. Es preciso tener una disposición, una voluntad para ello.» Yo opino que no sólo es el paisaje, sino cualquier cosa, esa predisposición tiene que venir dada no sólo del autor que hace las fotografías, sino también del lector que las ve y las lee. El trabajo de Zabalza, de este modo, es un estudio del paisaje y su entorno, un proyecto que aúna documentalismo, confesión y antropología. Dónde es una pregunta no sólo ante lo que vemos, sino también sobre dónde estamos nosotros y en qué disposición nos hallamos ante la imagen y el paisaje cuando lo observamos.

Dónde no es un fotolibro en sí mismo, es también un ensayo que recorre los diversos factores que nos proporciona el paisaje. Dónde es un análisis del territorio, de lo que vemos cuando nos enfrentamos ante la majestuosidad de un paisaje. Se respeta la unidad durante todo el libro, dando una coherencia ya no sólo estética, sino también analítica y experimental. Ramón Zabalza hace uso de su voluntad para construir un vehículo a través de su mirada e impresiones. Este vehículo nos conduce por páramos, por montañas y sierras, por suelos y edificios que el hombre ha creado para sí.

El blanco y negro dota de simbolismo propio a las fotografías. Todas ellas, entrelazadas, se homogeneizan entre sí y nos dan una sensación de libertad y profundidad hacia lo que vemos en ellas. Aparte, el autor, en sus textos, lanza un recorrido por la imagen en sus aspectos más sintácticos y conceptuales, dándonos una visión completa, y ya no sólo personal. Son imágenes elegantes y formales, que nos muestran un terreno casi inhabitable e inhabitado por el ser humano. Zabalza asume la fotografía como un medio para comprender lo que vemos, para estudiarlo y analizarlo y aun así detenernos ante la fugacidad e instante que esta tiene. La fotografía graba los fenómenos que la geografía y la meteorología hacen del paso del tiempo, ofreciéndonos así un territorio real e incluso apaciguador de lo reflejado.

Las pequeñas anotaciones que Zabalza toma cuando fotografía son narrativas y nos desvelan una mirada contemplativa y sutil. Zabalza recorre el mundo con la cámara por delante y no sólo es capaz de mostrárnoslo, sino también de transformarlo y de dotar de sentido y significado a su mirada y poder de observación.

Estamos, sin duda, ante un fotolibro que todo admirador del paisaje y la geografía debería observar con detenimiento, pues no sólo se embelesará por su belleza, sino que también aprenderá de la mano del autor a mirar analítica y reflexivamente aquello que ve.

Ramón ZabalzaRamón ZabalzaRamón ZabalzaRamón ZabalzaRamón ZabalzaRamón Zabalza

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