Géraldine van Wessem “Keep walking”
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Gus Bonino
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Ediciones Asimétricas presenta con Factura y otros escritos – textos del que fue artista y teórico del arte Vladímir Markov- una nueva colección editorial titulada SDVIG, que no son ni más ni menos que una serie de escritos bastante representativos que recogen y argumentan las vanguardias rusas de comienzos del s.XX. El principal planteamiento de este libro es poner en clave la situación que tiene la última pintura, la más avanzada, en su relación con el mundo; así como también exponer qué tareas principales tuvo este arte nuevo que sucedería en Europa. En él se recogen tres textos principales que nos aportan y describen cómo era la situación estética justo antes de la eclosión de las vanguardias rusas, como bien dice en su portada. Markov, que nacería en Riga y estudiaría pintura en esta ciudad, se trasladaría a San Petersburgo para continuar con sus estudios artísticos y creativos y sería allá donde ahondaría en los motivos y porqués del arte.
Conocemos como Factura no sólo al conjunto de relaciones bajo el que un cuadro se presenta ante nuestra mirada y sentimientos, sino también a las esferas en las que una obra artística nos hace tomar consciencia en base a sus colores, sus sonidos o cualquier medio sensible. Para Markov, el material es la madre de la factura. Cada combinación, así, presentará una factura diferente. Factura mide los elementos de la obra de arte: el material, la textura, el brillo, el color, lo invisible, el soporte, la forma en que se pinta, las formas en la escultura, la superficie, la masa. En definitiva, aquello que modela la obra de arte, sea esta cual sea en pintura, escultura o arquitectura.
Cabe destacar cómo la naturaleza ejerce una notable función en la creación de facturas. No sólo por cómo la luz, por ejemplo, modela una obra, sino también en cómo la propia naturaleza las hace a sí mismas (arrecifes de coral, las formas de los panales de miel que hacen las abejas…). En todo esto Markov se detiene y aclara punto por punto cada cosa. Nos la esboza y nos la ejemplifica con obras. Es curioso cómo podemos encontrar esa factura en todo elemento material creado; casi se podría decir que todo es factura y todo lo percibe nuestra sensibilidad, dando lugar a una mayor conciencia, a nuevas emociones y sentimientos. De esta manera es necesario, como dice Markov, conocer profundamente y amar aquel material con el que nos disponemos a transmitir nuestras sensaciones.
Se añaden a la edición otros textos, más pequeños, sobre los Principios del arte nuevo, en el que el teórico explora el misterio, la belleza y lo primitivo, dando paso todo ello a nuevas formas de arte. Markov pone en claro el punto de origen del arte, esa accesibilidad que sólo quien conoce estos principios puede crear. Nos propone las diferentes nociones entre el arte oriental y el occidental y su acepción de la belleza del azar es desde luego bella, valga la redundancia. De hecho, el apartado del principio de creación libre es un canto a la historia del arte y todo lo que ella conlleva. Esta es la esencia misma de la creación. No podemos crear si no nos sentimos liberados en cierta forma, quizá más que el hecho de sentirse liberado al crear. Para liberarse de la vida es necesario liberarse de todo antes, pues por muy paradójico que suene es lo que hace que el artista y el arte sean como el huevo y la gallina, no se sabe qué fue lo primero. Si el impulso liberador del arte o la plena liberación antes de crear.
Así, estamos ante un libro esencial para comprender lo que vendrían a ser, groso modo, las vanguardias artísticas. Y no sólo las rusas, sino todas las demás, como también lo serían el dadaísmo o el surrealismo. Leyendo a Markov sentimos que el arte está ahí por algo. Algo necesario e inherente que el ser humano ha de establecer como un principio hacia la plenitud de su ser. De este modo, leamos Factura. Comprendamos y conozcamos los materiales. Seamos uno con ellos. Sólo así concederemos la liberación estética a su verdadero lugar.
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Robert Hutinski © “Atavism (family album or seminar on youth)”
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Ed van der Elsken (Fundación Mapfre) Traducción de Juan Santana Lario | por Francisca Pageo
Como suele ser habitual, la Fundación Mapfre nos ofrece casi toda la trayectoria artística de fotógrafos y artistas que merecen la pena conocer y disfrutar. Esta vez, y terminando el 20 de mayo su exposición en Madrid, tenemos a Ed van der Elsken, fotógrafo y cineasta cuya obra es apreciada y querida por muchos, no sólo por su calidad, sino también por la manera que tiene de presentar todo el universo del autor. Esta exposición y catálogo han sido posibles gracias a la colaboración de la Fundación Mapfre con Stedelijk Museum de Ámsterdam y Jeu de Paume de París. En ella se reúnen todas las facetas de Elsken: la fotografía, el cine y la autoría de libros. El libro nos detalla la vida de este artista con hechos y señales, en la que participan otros autores ofreciéndonos no sólo la mirada de Elsken, sino también la que ellos tenían sobre él, haciéndose así algo muy completo para conocerlo.
Para Elsken, la fotografía fue un medio con el que vivir y expresar su propia vida. Es por ello por lo que estamos ante una fotografía más documental que artística, por decirlo de alguna manera, aunque en ella se observen atisbos de una estética y encuadres bien cuidados y un halo de belleza que no muchos de los que retratan la calle logran. A pesar de que la fotografía de Ed van der Elsken sea y parezca natural, estaba obsesionado con la técnica y la llevaba a todas partes, siempre la tenía presente. Para él la fotografía era el resultado de una interacción entre él, la cámara y lo fotografiado. Su manera de empezar en esta técnica fue sin artificio alguno, simplemente se echaba a la calle y disparaba con su cámara a personas sin hogar, a manifestantes, a gente solitaria, a niños…; aunque, como anécdota, no haría más de tres fotos a un sujeto debido al tipo de cámara que usaba (una Rolleicord). Siempre bocetaba y preparaba escenas en libretas, que usaba como proceso artístico. Su fotografía y hacer eran completamente subjetivos y se retaba a sí mismo, continuamente, con el lenguaje fotográfico. Pasaría por diferentes matrimonios, de hecho, su primera mujer sería la también fotógrafa Ata Kandó, a la que podemos ver en algunas de sus fotos.
Diseñaría libros con sus fotografías a los que dedicaría mucho tiempo. En ellos las fotografías aparecerían recortadas de diferentes maneras y todas las imágenes irían relacionadas entre sí. Sería un buen retocador en el laboratorio fotográfico, donde jugaba diariamente con los químicos para poder experimentar con sus fotografías. Empezaría trabajando en blanco y negro, pero poco a poco, al empezar a trabajar con diversas revistas, utilizaría el color. Le gustaba hacerlo todo por sí mismo, sin necesidad de ayudantes. Y era un convencedor profundo (tanto hacía sí mismo como hacia los demás) del trabajo que debía y necesitaba hacer. Lo tenía todo muy claro.
Para Nan Goldin, Ed van der Elsken era su predecesor. En él vio y tuvo claro qué quería hacer y cómo lo quería hacer. Su texto, complementando a la obra de Elsken, es bello e inspirador. Según David Campany, la estética de Elsken parecía estar basada en la improvisación. En ella toma suma importancia el azar y el accidente que Francis Bacon definiría.
La exploración documental del artista surge del afán por la búsqueda social que poseía y su enorme inquietud de desafiar las normas y las expectativas creadas por la sociedad. Elsken documentaba todo: su vida, sus relaciones, sus viajes, sus inquietudes, exposiciones y vidas de otros artistas (especialmente, sus procesos artísticos). Para Valérie Jouve, Elsken simplemente muestreaba la realidad, aunque viendo sus fotografías presintamos algo más. Es como si Elsken utilizara la realidad a su antojo, la llevara por completo a su forma de mirar el mundo y la vida. «Un artista tiene que atrapar la vida por completo», diría.
Sus fotografías son completamente honestas, pues son incapaces de alterar la realidad, de hecho, lo que hacen es que esta sea más atractiva. Nos conviene pensar en este catálogo como un documento necesario para mirar lo que ha sido la última mitad del S.XX, ya que en ellas encontramos una mirada desprovista de toda artificialidad, lo que se agradece cuando lo que queremos es apreciar y ver lo que realmente es la fotografía y arte documental.
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Ediciones Asimétricas recoge en esta edición algunos de los muchos escritos, pensamientos y poemas del artista Mario Sironi, perteneciente al modernismo italiano, pintor, escultor, ilustrador y diseñador, además de un gran teórico. Con ello nos encontramos ante un libro que abastece el universo práctico e intelectual del autor y que nos será de gran ayuda a la hora de situarnos en esa Italia que pasaría por diferentes estilos modernistas, como el futurismo, el cubismo o el neoclasicismo. Sus textos dieron pie a futuros debates, debido, especialmente, a la posición política que Sironi tomaría; pero esto no deja de lado que estemos ante un artista que abogaba plenamente por el arte y sus usos.
Para Sironi, la verdadera fascinación en el arte es la transformación plástica que el genio innovador imprime en cualquier objeto. Esto es, Sironi emplearía una gran cantidad de sus energías en vislumbrar lo enigmático, lo curioso de cada obra artística. Para él, «el arte moderno no tiene como objetivo el trabajo bien pagado por el cliente rico. La lucha no es para acabar la venta ordinaria, sino para alcanzar una conquista duradera.» Para él había que construir, porque eso es lo necesario. El autor exigía una revolución en el arte.
Sironi habla de la política en el arte y del arte en la política. Para este pensador, el artista debe renunciar al arte por el arte y volverse militante. Tomar una postura. Sea la que sea, pero tomarla. Pues ello es lo que haría del arte algo reivindicativo, algo por lo que luchar, algo por lo que crear. Su pensamiento es original, abierto a nuevas ideas y nuevas visiones. Para él todas las formas artísticas deberán tomar el lugar que les corresponde, haciendo de cada una de ellas un espacio en el arte y en la vida.
Sus escritos sobre la pintura mural y la importancia de una cultura y arte italianos (en aquel tiempo reinaba la francesa), así como la arquitectura, exigían una apertura hacia lo nuevo. Son escritos críticos y nos habla del arte italiano de una manera directa. Sin bifurcaciones ni cavilaciones. El arte no debe ser un mero capricho decorativo, sino algo que provoca actividad en el artista y el espectador. Estos textos trazan y recorren la historia del arte moderno, que es lo que se vuelve principal en sus pensamientos. Nos habla del arte italiano como un chef cocina: con precisión y elocuencia. No tiene nada que envidiar a Gombrich, de hecho. En sus palabras no sólo escribe sobre el arte, sino que lo experimenta y vive para poder escribirlo. Para él las exposiciones artísticas son clave a la hora de conocer la obra de otros autores, mucho más que los libros de artista. Habla de ellos como uno puede hablar con sus amigos: de manera confiada y relajada, pero también intensamente y con detalles.
Sus pensamientos son, de alguna manera, activistas, pues incitan a la acción.
El autor es un hombre sensible. No sólo al y ante al arte, sino también ante la vida y los seres que ama. Así es como nos lo muestra en su mente. Se pregunta por la gente, por los artistas, para hallar así su mirada y su conciencia. Dicho esto, y leyendo la parte final de este libro, su poesía tiende a lo sublime, a lo espiritual y a lo que transciende. El peso principal de esta recaerá en las lágrimas. No sólo en las que derramará por su hija (que cometerá suicidio, ante lo que Sironi se sentirá tremendamente mal), sino también en la metáfora que éstas aportan al sufrimiento de la vida.
Estamos ante un libro necesario si Sironi nos importa o si queremos saber más sobre el modernismo. Un libro que transparenta las instancias de lo que conocemos como arte, de lo que hace al arte ser arte, de lo que hace al artista querer expresarse.
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