Conversaciones con Peter Mayer, de Milton Glaser (Editorial Gustavo Gili)Traducción de Álvaro Marcos | por Francisca Pageo

Milton Glasser | Conversaciones con Peter Mayer

En esta pequeña edición de Gustavo Gili encontramos un librito que recopila tres conversaciones -o, mejor dicho, tres grandes conversaciones-, que el diseñador Milton Glaser mantuvo con el editor Peter Mayer. En ellas, se reflexiona sobre el diseño y el arte, tanto de manera personal como profesional, pues ambas facetas estarán en la vida de estos señores de manera plena y completa.

Milton Glaser ha expuesto tanto en el MOMA de Nueva York como en el Centro Pompidou de Paris; no en vano, se trata de uno de los más grandes diseñadores gráficos que ha habido en USA y que ha dado de su trabajo lo mejor de sí. Peter Mayer tuvo la ocasión de hablar con él en diferentes ocasiones y ello quedó registrado, lo cuál hace de este libro un pequeño boceto sobre lo que el arte y el diseño nos pueden ofrecer.

Adentrándonos un poco más en el libro, en él se explican las diferencias entre el arte y el diseño gráfico. Las obras de arte alteran nuestra percepción de la realidad, nos emocionan y nos avivan, mientras que el diseño viene determinado por la transmisión de un mensaje y un receptor diferente al que va destinado el arte. Para Milton Glaser, resulta importante tener una visión crítica de por qué razón se diseña y para qué.  Es esencial que el diseñador gráfico se instruya visualmente, que se empape de cultura, que conozca lo que le rodea y se inspire, esencialmente, en trabajos ajenos a su hacer como diseñador, pues todo ello le dará una visión más completa de lo que ha de transmitir y hacer. Para Glaser, hay que tratar que la práctica del diseñador sea un motor para el desarrollo personal aparte del profesional, pues sólo así el ser humano que se dedique a ello podrá estar casi siempre inspirado, podrá tomar anotaciones e ideas en el momento menos inesperado, podrá estar abierto a lo que el mundo puede ofrecerle.

Milton Glaser habla de los problemas a los que se enfrenta el diseñador, como la libertad a la hora de llevar a cabo un trabajo determinado o el hecho de tener que estar informado de lo que acontece en el mundo -y en el mundo del diseño. El diseñador estadounidense nos explica qué es el diseño: intervención en el flujo de acontecimientos con el fin de provocar un efecto deseado, la introducción de un componente intencional en los asuntos humanos y aquello que transforma las condiciones de existencia que las cosas tienen de partida. Estas tres definiciones se entremezclan entre sí la inmensa mayoría de las veces, haciendo que el diseño sea algo fundamental en la vida de hoy y haciendo que la figura del diseñador sea de vital importancia. Para Milton Glaser, una de las tareas entre el diseñador y el cliente es la de entender qué se está mirando, para él es fundamental y se ha de tener claro esto para llevar a cabo cualquier trabajo visual en los que el mensaje sea algo clave.

Para Glaser, además, el arte ha de ser un trabajo. Un trabajo que se implique como función en nuestra vida humana y que nos haga ir más allá (Glaser nos muestra un ejemplo de cómo ha evolucionado el arte en estos últimos siglos), que nos haga ver la vida de una manera más espiritual y honesta con nosotros mismos y hacia los demás. El arte ha de tener un propósito. Para el diseñador, las artes son como un mecanismo de supervivencia de nuestra especie. Milton Glaser no sólo nos hablará del diseño y el arte, sino también de la sociedad en la que vivimos. El autor nos expondrá claramente sus ideas respecto a ella y cómo esta se muestra ante nosotros en el terreno visual. Glaser también nos proporcionará trucos y tips para ayudar a los diseñadores gráficos a la hora de llevar a cabo un proyecto; más que nada porque es su experiencia la que nos habla.

De este modo, estamos ante un libro muy completo sobre la tarea del artista y el diseñador en la época en la que nos encontramos, ya que los dos protagonistas de este libro nos enseñan a mirar y a ver cómo las diferentes tareas visuales que tienen ambos -arte, diseño y edición-, siempre van de la mano.

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Fotografiar del natural, de Henri Cartier-Bresson (Editorial Gustavo Gili) Traducción de Núria Pujol i Valls | por Francisca Pageo

Henri Cartier-Bresson | Fotografiar del natural

Henri Cartier-Bresson fue uno de los más importantes fotógrafos del S.XX, fundador, junto a Robert Capa, de la afamada agencia parisina Magnum. También un gran fotoperiodista que retrataría la historia como pocos y que, además de ello, se adentraría en la teoría fotográfica para ofrecer su particular visión. Es, de este modo, que estamos ante Fotografiar del natural, una pequeña recopilación de diferentes textos y ensayos sobre la fotografía y diversos artistas contemporáneos al autor. Un texto escrito desde el corazón, donde la fotografía juega el papel principal y nos lo expone como medio de vida. Para Cartier-Bresson, el fotógrafo ha de desnudarse, exponerse con sus consecuencias en su hacer fotográfico. Para él, «hay que fotografiar siempre partiendo de un gran respeto por el tema y por uno mismo.»

En El instante decisivo, quizás el texto más famoso y de los más interesantes del autor, nos expone su vida y nos entrega unas palabras sobre la fotografía extremadamente esclarecedoras. Para Cartier-Bresson la tarea del fotógrafo es la de fijar la realidad, todo esto visto bajo el punto de vista de su trabajo, el de reportero gráfico. También nos expone las semejanzas y diferencias entre la pintura y la fotografía, haciendo hincapié en cómo esta última es menos artificiosa y más objetiva. El autor nos habla de la composición, del color, de los clientes, de la geometría en la fotografía, ofreciéndonos un análisis lúcido de cómo esta llega o debería llegar a nosotros, los espectadores, o los mismos clientes que el fotorreportero tiene.

Para Cartier-Bresson la fotografía es un instante, algo que nace dentro de nuestro ser y que al observar acciona, por inercia, el clic en la cámara; pero todo ello lo hace con conocimiento, con sabiduría, con un saber mirar y saber hacer. Y es que hay algo confesional en sus escritos, como si tuviera la necesidad de escribir sobre lo que le acontece, sobre sus sentimientos y pensamientos más íntimos respecto a la imagen. Cartier-Bresson no se muerde la lengua y habla de manera directa y sin miramientos. También nos habla de sus viajes, de cómo ve otros países y cómo se halla ante ellos. La política jugará un papel importante en ellos, como podemos ver en su viaje a Cuba en 1963, donde fotografiará al Che Guevara.

El autor también nos hablará de diferentes artistas y fotógrafos, como Giacometti, Ernst Haas, Doisneau, Sarah Moon, Robert Capa, André Kertesz, entre otros. No duda en exponer sus opiniones, en exponer la manera en la que ve a estos artistas o la cercanía que tendría con ellos. Algunos de ellos serán amigos íntimos suyos y les dedicará unas palabras.

Estamos sin duda ante un libro excepcional que, aunque corto (apenas llega a las 100 páginas), nos acerca al pensamiento de este fotógrafo tan maravilloso y que tanto nos ha dado a la hora de descubrir y conocer la Historia, ya sea de manera escrita o visual, sobre todo esta última. Un libro esencial para fotógrafos y todos aquellos interesados en este medio y en el arte en sí, pues nos aporta una visión particular sobre el arte y la fotografía.

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Dónde, de Ramón Zabalza (Ediciones Asimétricas) | por Francisca Pageo

Ramón Zabalza | Dónde

De vez en cuando, me asalta a la vista un/a fotógrafo/a que me deslumbra por completo y me envuelve en un universo particular y diverso del que no puedo salir. Yo los llamo fotógrafos burbuja, pues tienen un don particular en su hacer y saben ir más allá de lo que cualquier otro fotógrafo llega. En esta ocasión tenemos a Ramón Zabalza, autor que desconocía por completo y que Ediciones Asimétricas nos invita a descubrir con su fotolibro, enorme fotolibro, Dónde.

Dónde es una recopilación del trabajo de Zabalza en torno al paisaje, que va también acompañado de texto y memoria. Un texto y memoria que nos acerca la fotografía como medio mediante el cual observar lo que está ahí y nos atañe, lo que está ahí y no vemos y lo que está ahí sin más.

En el prólogo, Eduardo Martínez de Pisón dice que el paisaje es un territorio dotado de expresión y significado, dice que «lo primero que pide un paisaje es una mirada. Pero no todo el mundo mira los paisajes, no todos ven el mundo como paisaje. Es preciso tener una disposición, una voluntad para ello.» Yo opino que no sólo es el paisaje, sino cualquier cosa, esa predisposición tiene que venir dada no sólo del autor que hace las fotografías, sino también del lector que las ve y las lee. El trabajo de Zabalza, de este modo, es un estudio del paisaje y su entorno, un proyecto que aúna documentalismo, confesión y antropología. Dónde es una pregunta no sólo ante lo que vemos, sino también sobre dónde estamos nosotros y en qué disposición nos hallamos ante la imagen y el paisaje cuando lo observamos.

Dónde no es un fotolibro en sí mismo, es también un ensayo que recorre los diversos factores que nos proporciona el paisaje. Dónde es un análisis del territorio, de lo que vemos cuando nos enfrentamos ante la majestuosidad de un paisaje. Se respeta la unidad durante todo el libro, dando una coherencia ya no sólo estética, sino también analítica y experimental. Ramón Zabalza hace uso de su voluntad para construir un vehículo a través de su mirada e impresiones. Este vehículo nos conduce por páramos, por montañas y sierras, por suelos y edificios que el hombre ha creado para sí.

El blanco y negro dota de simbolismo propio a las fotografías. Todas ellas, entrelazadas, se homogeneizan entre sí y nos dan una sensación de libertad y profundidad hacia lo que vemos en ellas. Aparte, el autor, en sus textos, lanza un recorrido por la imagen en sus aspectos más sintácticos y conceptuales, dándonos una visión completa, y ya no sólo personal. Son imágenes elegantes y formales, que nos muestran un terreno casi inhabitable e inhabitado por el ser humano. Zabalza asume la fotografía como un medio para comprender lo que vemos, para estudiarlo y analizarlo y aun así detenernos ante la fugacidad e instante que esta tiene. La fotografía graba los fenómenos que la geografía y la meteorología hacen del paso del tiempo, ofreciéndonos así un territorio real e incluso apaciguador de lo reflejado.

Las pequeñas anotaciones que Zabalza toma cuando fotografía son narrativas y nos desvelan una mirada contemplativa y sutil. Zabalza recorre el mundo con la cámara por delante y no sólo es capaz de mostrárnoslo, sino también de transformarlo y de dotar de sentido y significado a su mirada y poder de observación.

Estamos, sin duda, ante un fotolibro que todo admirador del paisaje y la geografía debería observar con detenimiento, pues no sólo se embelesará por su belleza, sino que también aprenderá de la mano del autor a mirar analítica y reflexivamente aquello que ve.

Ramón ZabalzaRamón ZabalzaRamón ZabalzaRamón ZabalzaRamón ZabalzaRamón Zabalza

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