Escritos 1884-1914, de Henri Rousseau (La Micro) Traducción de Guido Sender | por Juan Jiménez García

Henri Rousseau | Escritos 1884 -1914

Conocí al Aduanero Rousseau por Guillaume Apollinaire. Le mandaba sus saludos (los suyos y los de otros tantos) con motivo de su muerte. Y era un poema de una extraña belleza, como tantos de sus poemas, en los que lo cotidiano se convertía en algo extraordinario por el simple hecho de ser nombrado. Por él, poeta. Apollinaire cansado de aquel mundo antiguo, buscaba la modernidad. Y la modernidad no es esto que está ahora por todos lados, como algo pegajoso y terriblemente desagradable. La modernidad era ir al encuentro del siglo XX, que estaba ya ahí y algo había que hacer con él. Él, siglo que caminaba hacia el desastre y la muerte como si fueran los últimos días de la Humanidad. Y ahí estaba Rousseau, viejo como todo, inocente como ninguno, único. Un igual, pensaba, de Picasso. La micro, esa pequeña editorial que edita sus libros como si fueran cartas dirigidas a alguien (nosotros) publica ahora algunos escritos alrededor de él. Buen momento para recordarle (aunque es imposible olvidarle).

Henri Rousseau se encontró un día con Alfred Jarry. Hay encuentros fortuitos que son inevitables. El pintor hizo un cuadro; el patafísico lo presentó en sociedad y destruyó, dicen, el cuadro. Era el tiempo de los salones, de las grandes citas pictóricas, y al final, acabó en el de Los Independientes, que eran donde iban a parar todos los incomprendidos, muertos de hambre (literalmente). En fin, el lugar en el que se encontraron todos los que hoy en día nos siguen diciendo cosas. Cuando volvemos sobre esa época esa es la palabra: hambre. De hacer otra cosa, otra pintura, y de no tener nada que llevarse a la boca.  Su correspondencia (la de Rousseau no iba a ser diferente a la de tantas impresionistas, por ejemplo) es una súplica constante por vender algo simplemente para pagar pinturas y lienzos y no morir en el camino. El Aduanero (que por cierto, no había sido aduanero… fue invención de Jarry… en realidad había sido recaudador), que empezó a pintar pasados los cuarenta años, no tardó en disfrutar de ese mundo en tensión, hecho de súplicas de anticipos.

Entre los escritos tenemos una curiosa entrevista, un puñado de cartas y a Guillaume Apollinaire escribiendo sobre él. Y entre todo ello, surgen problemas con la justicia, con el mundo del arte y con el mundo en general. Henri Rousseau era inocente pintando pero no modesto (¿y por qué tendría que serlo?) y no dejaba de reclamar su lugar, que pensaba no poco elevado (lo cual era justo). De personaje pintoresco paso a un cierto reconocimiento, lo cual (también era el signo de los tiempos) le duró poco, porque no tardó en irse al otro mundo, si es que vivía en este. Como Flaubert, era capaz de abrazar el exotismo sin ser nada exótico, y sus paisajes eran producto de visitas a jardines botánicos. Todo lo demás estaba en su cabeza.

Apollinaire dijo de él que pintaba la faz de las estrellas. Y se despedía de él dándole pinceles, lienzos y colores. Es bonito volverse a encontrar con él. O con ellos. Es bonito hacerlo con esta edición de La micro, pequeña, bella, justa. Abrir este libro sobre y encontrarse con esas páginas cartas que nos llegan de un tiempo ausente del que no logramos llenar ese vacío (Tanpinar). Todo está bien.

[…]

Si no quieres perderte nada, puedes suscribirte a nuestra lista de correo. Es semanal y en ella recordaremos todo lo publicado durante los últimos días.




Dibujos mentales. Principios del universo creativo de Juan Navarro Baldeweg, de Ignacio Moreno (Ediciones Asimétricas) | por Francisca Pageo

Ignacio Moreno | Dibujos mentales. Principios del universo creativo de Juan Navarro Baldeweg width=

Podríamos decir que Juan Navarro Baldeweg es ya todo un referente en el ámbito arquitectónico, y estaríamos en lo cierto; pero también lo estaríamos si dijéramos que su pintura guarda una estrecha relación con su arquitectura y que esta también se eleva y es digna de ser estudiada y observada; haciendo del artista alguien completamente virtuoso en todos los campos que toca. De este modo, Ignacio Moreno nos trae bajo Dibujos mentales todo el universo creativo del artista, haciendo hincapié en todo lo que nos es capaz de ofrecer.

Conforme leemos, Ignacio Moreno nos lleva e incita a pensar en Juan Navarro Baldeweg no sólo como un gran artista que utiliza los medios posibles para crear su obra, sino, también, como un profundo filósofo que dispone de su obra para hacer acopio de lo que yace en su pensamiento. En base a esto, Baldeweg tomará una actitud en la que lo principal es la visualización energética del espacio, dando paso a una objetivación de lo que ve, siente y piensa. De hecho, las leyes de la física también tendrán una gran relevancia en su trabajo, como la fuerza de la gravedad o la luz y el espacio. Se explica detalladamente toda la metodología que Juan Navarro Baldeweg lleva a cabo para crear su obra, desde los aspectos más técnicos a los más artísticos. También se expone el campo teórico, siendo este exhaustivo y denso.

Juan Navarro Baldeweg reconoce las limitaciones del ser humano y no busca la perfección en el arte, prefiere dejar inacabadas sus series para crear cierto grado de incertidumbre. Trabaja en todo a la vez y ordena mentalmente todas las sensaciones que le van llegando, transfigurándolas y haciendo así no una reproducción de la naturaleza, sino su expresión en sí misma. La obra del artista es compleja y busca el refinamiento del material, de la luz y de la sombra. Baldeweg trabaja a fondo y ello se puede ver en su extensa y variada obra.

Ignacio Moreno nos narra los hechos y eventos que influirían en el artista y harían destacar su obra y pensamiento. Para Baldeweg no sólo la arquitectura haría el lugar y el espacio, sino también la pintura. Esta se puede apreciar cuando el artista estudia la obra de Matisse dándose cuenta de que es la pintura la que crea un ambiente espacial. Para él, la pintura es un ejercicio continuo de la imaginación. Con la pintura aparece el milagro, con la arquitectura, la sorpresa. El arte ha de ser un hecho de la experiencia. ¿Qué tiene de arquitectura la pintura? ¿Qué tiene de pintura la arquitectura? ¿Dónde empieza la arquitectura? ¿Dónde termina el arte? Es el paso permanente de una habitación a la otra aún por descubrir.

Pese a las comparaciones en el libro de la obra de Baldeweg con otros artistas como Klee, pienso que estas no se vuelven ni tan siquiera necesarias, ya que cuando vemos y observamos la obra del autor que aquí tenemos como referente, podemos percibir que esta se explica y sustenta por sí sola y por sí misma, debido a la gran cantidad de recursos que tiene y que el autor le ha sabido dar. El autor del libro ha hecho un exhaustivo y arduo trabajo en esta edición, trayendo a colación todo el enorme valor del trabajo de Juan Navarro Baldeweg. Así, estamos, sin duda, ante un libro que se tornará como referente principal de la obra del artista, tanto para aquellos que amamos el arte, como la arquitectura o la teoría filosófica en la que se sustenta todo Baldeweg.

[…]

Si no quieres perderte nada, puedes suscribirte a nuestra lista de correo. Es semanal y en ella recordaremos todo lo publicado durante los últimos días.




Maestros de la fotografía, de Paul Lowe (Editorial Gustavo Gili) Traducción de Cristina Zelich | por Francisca Pageo

Paul Lowe | Maestros de la fotografía

El trabajo de investigación que el conferenciante y fotógrafo Paul Lowe nos trae en esta edición de Editorial Gustavo Gili se recoge, sin duda, en un libro clave y consecuente sobre lo que nos propone la fotografía, en su querer y poder, con todas sus significancias. Estamos ante un trabajo que nos proporciona una aproximación particular en el modo en el que los fotógrafos piensan y sienten su práctica. Cada fotógrafo presente aquí posee una mirada única, y este libro nos ayuda a cuestionar tanto lo que vemos como lo que sentimos ante las imágenes presentadas. En estas páginas nos preguntamos cómo funciona la fotografía, además de cómo se construye y cómo se transmite el significado de cada imagen presentada. También se aborda el tema del fotolibro y cómo este nos transmite una experiencia tangible y sensorial de la fotografía.

La mayoría de fotógrafos aquí presentados se vinculan entre sí y nos dan un reflejo de lo que el mundo de la fotografía da y ha ido dejando tras de sí. 100 fotógrafos, ni uno más ni uno menos, son los que nos presenta Paul Lowe. Cada presentación incluye una biografía corta del fotógrafo o fotógrafa en cuestión, un comentario extenso de una imagen en particular de su obra y una serie de consejos en torno a la práctica fotográfica. Estos hablarán del tipo de cámara, del color, la composición, el uso del flash, la luz, el tema, el método, etc. Los consejos presentados nos ayudarán a ser más consecuentes y lúcidos ante la cámara y el acto de fotografiar, haciendo de este un libro completo para saber y poner en práctica nuestro hacer fotográfico. También nos ayudarán a deducir las diferentes interpretaciones que una fotografía nos puede dar.

El trabajo de investigación que Paul Lowe ha hecho aquí es sin duda meticuloso y lleno de detalles que a un lector cualquiera se nos habría pasado por inadvertido. Es un libro, pues, que nos ayuda a conocer la fotografía a fondo y nos hace tener la mente más abierta al conocimiento que podemos extraer de una imagen dada.

El libro se divide en lugares, espacios, cosas, rostros, cuerpos, ideas, momentos, relatos… ofreciéndonos así a una serie de fotógrafos clave de cada uno de estos temas. Se verán autores archiconocidos de la talla de Sebastião Salgado, Walker Evans, Man Ray, Dorothea Lange, Robert Capa, Cartier-Bresson y otros menos afamados pero igual de importantes e interesantes como Susan Meiselas, August Sander, Lisa Barnard…

La amplia información aquí dada provoca un vasto conocimiento del mundo fotográfico que desde luego no nos dejará indiferentes, pues nos hace ver toda una serie de patrones y características difíciles de alcanzar pero no imposibles, que nos hacen ver el misterio y tejemaneje de la fotografía. Es inevitable querer meternos en cada imagen y comentario subyacentes, pues cada una de ellas nos muestran un aspecto diferente del mundo de la imagen que nos hace proyectar nuestras inquietudes vinculantes a esta.

Este, en definitiva, se vuelve un libro de referencia en el que tener en cuenta la importancia del uso y hacer fotográfico. Gracias a los autores que Paul Lowe nos muestra, logramos entender y conocer todo lo que la fotografía puede dar de sí, ya sea retratando personas, lugares, momentos u objetos. Las ideas que aquí se dan son reveladoras y únicas, aportándonos todo un panorama alrededor de la imagen único y especial.

[…]

Si no quieres perderte nada, puedes suscribirte a nuestra lista de correo. Es semanal y en ella recordaremos todo lo publicado durante los últimos días.




Oteiza al margen, de Oskar Alegría (Festival Punto de Vista – Gobierno de Navarra) | por Francisca Pageo

Oskar Alegría | Oteiza al margen

Jorge Oteiza fue un escultor y teórico que nos dejó un legado enorme y grandioso dentro del arte español. Si bien su escultura es particular y original, no resulta menos interesante el trabajo téorico en el que abundaría  a lo largo de su trayectoria y el cuál nos ofrece la visión de un artista con sentimiento de honda poesía que apostaría por el dasein del arte y la palabra.

En esta edición, que nos trae el festival de cine Punto de Vista -en la que, asimismo, se ha rescatado el patrimonio del artista navarro-, tenemos todo el proceso de investigación que Oskar Alegría ha llevado a cabo en base a las notas manuscritas y marginales que Oteiza documentaría a lo largo de su vida. De este modo, en el libro encontramos numerosos documentos en los que Oteiza anota al margen de sus libros (ya no propios, sino los que lee y de los que se apropia) todo lo que le va inspirando la lectura, todo lo que le conmueve y lo que piensa alrededor de los libros aquí presentados. Para Oteiza los libros no son más que un laboratorio de ideas en el que ir anotando todo lo que se le antoja, sobre todo de manera espontánea. Así, este libro no es más que eso, todo un proyecto de búsqueda y conocimiento expandido que nos dará claves para comprender la figura de Oteiza ya no sólo en el mundo artístico, sino también literario.

Oteiza firmaría todos sus libros, con fechas incluidas, y nos daría detalles de lo que pensaba alrededor del cine. De hecho, para él el lenguaje cinematográfico sería algo natural y algo de lo que apropiarse para explicarse a sí mismo. Aquí, se nos muestran los pensamientos en torno a las películas que vería y las correlacionaría con la literatura de manera plácida. Para él, el cine sería algo autobiográfico, espiritual, vital. Algo que debiera ofrecer soluciones curativas para el hombre y su ser más hondo. Además, se señala todo lo que el cine representó para Oteiza: manuscritos, críticas, guiones… Todo ello se presenta fielmente y retrata una mente lúcida y observadora.

Hasta leyendo, Oteiza no dejaría de ser artista: «Yo he visto saltar una palabra, una determinada palabra de un libro. Hay palabras que saltan de libro en libro, que no logran acomodarse en la familia de palabras en que el escritor las ha colocado», diría. Es inevitable ver que estamos ante la intimidad de un poeta, eso ante todo, y él se nos muestra aquí desnudo y además analiza de manera serena todo lo que va leyendo tras de sí, palabra por palabra. Esta hermosa edición nos ayuda a adentrarnos en el mundo literario que Jorge Oteiza construyó. «Yo siempre escribo notas, escribo pequeños ensayos», diría también.

El libro es toda una fuente sobre el pensamiento oteizano que nos guía por los senderos y caminos que el autor tomaba al leer un libro. Estos senderos estarían marcados por la propia filosofía de Oteiza y nos revelarán todo un ideario imaginal y mental, que sólo alguien que ve más allá de lo ordinario posee. Es reseñable el uso del interrogante en los manuscritos de Oteiza y cómo diversos teóricos forman diferentes acepciones para este. La inspiración de Jorge Oteiza nace del misterio y es una interrogación continua en su ideario y pensamiento. Es inevitable no preguntarnos po rqué Jorge Oteiza es así, casi que podríamos decir que es más filósofo que escultor, pues su pensamiento daría mucho de sí y sus teorías hasta conformarían libros, como el “Quosque Tandem..”.

Con las notas que hallamos en este libro se nos presenta, así, a un gran filósofo, alguien que no deja de pensar y formular teorías y que se va haciendo a sí mismo en base a sus profundas convicciones y conocimientos. De este modo, estamos ante un libro único que todo amante de Oteiza apreciará. Para saber más de él, para conocer más su mitología, para adentrarnos más en su mundo personal. Un libro que se convertirá en un clásico complemento para entender la figura de este gran y ensimismado artista español.

[…]

Si no quieres perderte nada, puedes suscribirte a nuestra lista de correo. Es semanal y en ella recordaremos todo lo publicado durante los últimos días.




Apuntes de fotografía: Recursos y técnicas básicas de fotografía analógica, de Jordi Gumí (Editorial Gustavo Gili) | por Francisca Pageo

Jordi Gumí | Apuntes de fotografía: Recursos y técnicas básicas de fotografía analógica,

Jordi Gumí fue un fotógrafo especializado en varias vertientes ( industrial, comercial y editorial ), además de profesor de fotografía en la Escuela Massana de Barcelona. De aquella experiencia académica surge este libro lleno de apuntes y consejos sobre fotografía analógica. Los apuntes, grosso modo, son los mismos que daría a sus alumnos durante las clases en esta escuela. Así, en el libro se nos muestra la evolución de la fotografía analógica (la cámara oscura, el daguerrotipo, el calotipo…), así como la expansión de la fotografía de diferentes formatos (6×6, 35mm, etc), explicando cómo se ha desarrollado la fotografía en este campo y cuáles son las diferentes formas de captar una imagen.

Gumí también nos hablará de la cámara y sus aspectos más técnicos, proporcionándonos consejos a la hora de tomar una fotografía. Se nos habla de los diferentes tipos de cámara y las partes que la componen, a la vez que nos acerca a los diferentes mecanismos que posee: enfoque, diafragma y obturador, además de las relaciones entre estos. El material fotográfico también forma parte del libro, ofreciéndonos así los diferentes medios y emulsiones químicas que pasarán a proceder para lograr hacer que la imagen salga reflejada en los diferentes tipos de papel que hay.

Gumí comenta los diferentes aspectos que trae consigo la iluminación a la hora ya no sólo de hacer una fotografía, sino también de revelar. Se hace necesario poseer conocimientos de química a la hora de esto último, ya que es gracias a los distintos líquidos químicos que podemos llevar a cabo el revelado. El profesor, de este modo, nos habla del laboratorio, de las fases que tiene el revelado (dependiendo de si se trata de una película en blanco y negro, como en color o diapositiva).

Quitando las partes más técnicas, el fotógrafo también nos enseña las diferentes partes en que se lee una fotografía y su composición. Nos dice de qué manera leemos las imágenes, cómo deberían hacerse si queremos que el efecto sea real o irreal, cómo según las diferentes posiciones desde donde las hacemos cambia totalmente la percepción que tenemos de una imagen. Además, se explican algunos trucos y consejos a la hora de fotomanipular en el laboratorio.

Sin duda estamos ante un manual que recoge los principios básicos de la fotografía analógica y su revelado, con todo lo que ella conlleva. Este libro nos ayudará y nos dará los pasos clave a la hora de adentrarnos en este mundo de disparos, de emulsiones y sales de plata y nos invitará a ser partícipes de todo el proceso que abarca el acto de fotografiar. Podemos convertir nuestro baño (si en él hay espacio) en un laboratorio tapando todas las ventanas y poniendo una luz roja, comprando los líquidos a laboratorios y hacerlo todo por nuestra cuenta, o bien podemos mandarlo al laboratorio a revelar y dejar nuestras fotografías en manos de otros. Con este libro, a buen seguro, nos darán ganas de hacer lo primero.

[…]

Si no quieres perderte nada, puedes suscribirte a nuestra lista de correo. Es semanal y en ella recordaremos todo lo publicado durante los últimos días.




Un sistema gráfico para las cubiertas de libros. Hacia un lenguaje de parámetros, de Rosa Llop (Editorial Gustavo Gili) | por Francisca Pageo

Wisława Szymborska | Un sistema gráfico para las cubiertas de libros. Hacia un lenguaje de parámetros

Rosa Llop, investigadora y docente en la escuela Elisava de Barcelona, es una ex-diseñadora gráfica que ama el diseño. En este libro, el cual está basado en una tesis, se adentra en los mecanismos que gobiernan el diseño gráfico y su mensaje. Así, se apoya en demostrar que el diseño sigue una serie de funciones codificadas que se basan en la construcción de diversos patrones a la hora de crear un mensaje gráfico.

El diseño gráfico no puede ser diseño gráfico si no va acompañado de un mensaje y sus representativos códigos. Así mismo, la autora de este libro nos embarca en el proceso a seguir para crear una portada y cubierta de libro basada en la simbolización gráfica que lo define y sintetiza de manera que podamos abordar este tipo de proyecto de un modo reflexivo, directo y adecuado. La autora nos introduce en el diseño gráfico en referencia a los parámetros que encuentra el diseñador a la hora de llevar a cabo un proyecto visual. Las referencias que nos aporta Llop son múltiples, mostrándonos así todo un entramado estratégico y decisivo para la creación gráfica.

Llop nos enseña por encima la historia del diseño gráfico y cómo este ha ido cambiando conforme la industria se ha modernizado. Nos habla de las diferentes estrategias a la hora de hacer la portada de un libro. Como indica Daniel Gil, es necesario que la cubierta atrape al lector. Y es de este modo que todas las referencias que nos da Rosa Llop son así, cubiertas que hacen que nos fijemos en cómo han sido creadas y cómo son en su resultado final.

En el libro se exponen las distintas codificaciones que se pueden hacer a la hora de representar el título y contenido de un libro. Hay un análisis visual a través del lenguaje gráfico que tiene la cubierta y Llop los analiza y expone de manera persuasiva y muy inteligente. Las múltiples referencias y portadas que salen en esta edición nos dan un ejemplo de las diferentes maneras de plasmar lo que queremos transmitir. La autora, de esta manera, nos enseña todo el lenguaje gráfico que una portada ha de tener: los puntos de atención, la proporción, el peso, el color… De todo ello se habla aquí y nos ayuda o ayudará a seguir el proyecto visual que la portada de un libro (o incluso el diseño gráfico en sí mismo) tiene tras de sí. La percepción juega un papel fundamental aquí y es gracias a ella que podemos leer las diferentes cubiertas que nos proporciona el diseño editorial.

Estamos sin duda ante un libro técnico y aun así inspirador realmente completo y analítico sobre el sector editorial y creativo. Un libro que nos ayuda a leer las portadas así como a crearlas, aprendiendo amablemente los diversos aspectos que hay que tener en cuenta. De hecho, resulta fundamental tener en consideración los códigos que el mismo diseño gráfico tiene para sí mismo, especialmente ante lo que nos hallamos aquí, la cubierta de un libro, aunque los parámetros y el lenguaje vengan a ser los mismos. De este modo, el libro de Rosa Llop se vuelve indispensable para que aquel diseñador editorial que se embarque en la cubierta de un libro tenga en cuenta todos esos detalles y consideraciones que nos muestra la autora.

[…]

Si no quieres perderte nada, puedes suscribirte a nuestra lista de correo. Es semanal y en ella recordaremos todo lo publicado durante los últimos días.




Conversaciones con Peter Mayer, de Milton Glaser (Editorial Gustavo Gili)Traducción de Álvaro Marcos | por Francisca Pageo

Milton Glasser | Conversaciones con Peter Mayer

En esta pequeña edición de Gustavo Gili encontramos un librito que recopila tres conversaciones -o, mejor dicho, tres grandes conversaciones-, que el diseñador Milton Glaser mantuvo con el editor Peter Mayer. En ellas, se reflexiona sobre el diseño y el arte, tanto de manera personal como profesional, pues ambas facetas estarán en la vida de estos señores de manera plena y completa.

Milton Glaser ha expuesto tanto en el MOMA de Nueva York como en el Centro Pompidou de Paris; no en vano, se trata de uno de los más grandes diseñadores gráficos que ha habido en USA y que ha dado de su trabajo lo mejor de sí. Peter Mayer tuvo la ocasión de hablar con él en diferentes ocasiones y ello quedó registrado, lo cuál hace de este libro un pequeño boceto sobre lo que el arte y el diseño nos pueden ofrecer.

Adentrándonos un poco más en el libro, en él se explican las diferencias entre el arte y el diseño gráfico. Las obras de arte alteran nuestra percepción de la realidad, nos emocionan y nos avivan, mientras que el diseño viene determinado por la transmisión de un mensaje y un receptor diferente al que va destinado el arte. Para Milton Glaser, resulta importante tener una visión crítica de por qué razón se diseña y para qué.  Es esencial que el diseñador gráfico se instruya visualmente, que se empape de cultura, que conozca lo que le rodea y se inspire, esencialmente, en trabajos ajenos a su hacer como diseñador, pues todo ello le dará una visión más completa de lo que ha de transmitir y hacer. Para Glaser, hay que tratar que la práctica del diseñador sea un motor para el desarrollo personal aparte del profesional, pues sólo así el ser humano que se dedique a ello podrá estar casi siempre inspirado, podrá tomar anotaciones e ideas en el momento menos inesperado, podrá estar abierto a lo que el mundo puede ofrecerle.

Milton Glaser habla de los problemas a los que se enfrenta el diseñador, como la libertad a la hora de llevar a cabo un trabajo determinado o el hecho de tener que estar informado de lo que acontece en el mundo -y en el mundo del diseño. El diseñador estadounidense nos explica qué es el diseño: intervención en el flujo de acontecimientos con el fin de provocar un efecto deseado, la introducción de un componente intencional en los asuntos humanos y aquello que transforma las condiciones de existencia que las cosas tienen de partida. Estas tres definiciones se entremezclan entre sí la inmensa mayoría de las veces, haciendo que el diseño sea algo fundamental en la vida de hoy y haciendo que la figura del diseñador sea de vital importancia. Para Milton Glaser, una de las tareas entre el diseñador y el cliente es la de entender qué se está mirando, para él es fundamental y se ha de tener claro esto para llevar a cabo cualquier trabajo visual en los que el mensaje sea algo clave.

Para Glaser, además, el arte ha de ser un trabajo. Un trabajo que se implique como función en nuestra vida humana y que nos haga ir más allá (Glaser nos muestra un ejemplo de cómo ha evolucionado el arte en estos últimos siglos), que nos haga ver la vida de una manera más espiritual y honesta con nosotros mismos y hacia los demás. El arte ha de tener un propósito. Para el diseñador, las artes son como un mecanismo de supervivencia de nuestra especie. Milton Glaser no sólo nos hablará del diseño y el arte, sino también de la sociedad en la que vivimos. El autor nos expondrá claramente sus ideas respecto a ella y cómo esta se muestra ante nosotros en el terreno visual. Glaser también nos proporcionará trucos y tips para ayudar a los diseñadores gráficos a la hora de llevar a cabo un proyecto; más que nada porque es su experiencia la que nos habla.

De este modo, estamos ante un libro muy completo sobre la tarea del artista y el diseñador en la época en la que nos encontramos, ya que los dos protagonistas de este libro nos enseñan a mirar y a ver cómo las diferentes tareas visuales que tienen ambos -arte, diseño y edición-, siempre van de la mano.

[…]

Si no quieres perderte nada, puedes suscribirte a nuestra lista de correo. Es semanal y en ella recordaremos todo lo publicado durante los últimos días.




Tejados de Barcelona, de Miguel Herranz (Editorial Gustavo Gili) | por Francisca Pageo y Juan Jiménez García

Miguel Herranz | Tejados de Barcelona

Mirar la ciudad de otra manera, con otros ojos. Descubrir una Barcelona que podría ser inédita, pero que simplemente es, tal vez, ignorada. Ciudad a pie de calle, quién piensa en sus tejados, en ese espacio entre el cielo y  la tierra. Bueno, Miguel Herranz, por ejemplo, ilustrador. Tejados de Barcelona son esos pensamientos. Es la luz sobre las azoteas, los balcones y los tejados. Sus límites, dibujados. Una ciudad que revela en sus trazos algún tipo de profunda verdad, en su curiosidad una identidad que posiblemente ha perdido ahí abajo, lejos. Esa búsqueda se traslada al papel.

Apropiarse de la ciudad, convertirla en algo personal, único. Mirarla no a vista de pájaro, sino de frente, pero a otro nivel, a otra altura, lejos de todo. Del ruido. Una ciudad más tranquila, más callada, menos entregada a la velocidad de los días. Una ciudad secreta pero no escondida. Con sus códigos propios, sus propias armonías, que Miguel Herranz traslada con enfoques personalizados y una paleta de colores propia.

*  *  *

A través de los tejados, tenemos la sensación de que Barcelona subsiste más en ellos que en sus calles, que la ciudad se ha convertido en otra cosa, pero que algo de pasado persiste ahí, lejos de las miradas. ¿Qué opinas al respecto?

Los nuevos edificios tienen una enorme carga visual por lo que parecen estar más hechos para ser vistos desde abajo, sus tejados no son tan distintos de los antiguos. Hay nuevas torres que marcan el skyline, pero en la mayor parte de los edificios modernos las azoteas no son muy diferentes de las de hace algún siglo. Los aires acondicionados y las parabólicas no son nuevos en sí, podríamos considerarlos nuevas chimeneas, consecuencias de la vida dentro de las casas; no nos reunimos al lado del fuego sino al lado de la tele.

En el libro hay un uso especial del color que no responde a ningún intento de reproducir la realidad, sino más bien a un estado de ánimo. ¿Cómo afrontaste el tema del color?

No lo racionalicé demasiado. Cada entorno me impulsaba a una herramienta para la línea, bolígrafo, pluma, pincel en algún caso… El color lo afronto desde un punto de vista más gráfico que pictórico. Además de la información concreta sobre las formas que proporciona la línea, quería algo de sugerencia abstracta, no demasiado racional, por eso los colores, cuando están, no son estrictamente reales.

Tu gusto por los tejados, ¿se circunscribe solo a una ciudad como Barcelona o realmente es una atracción que harías extensible a cualquier lugar?

Siempre me han atraído, son como algo secreto (a voces) oculto pero a la vista de todos, vacíos pero superpoblados. Me gusta esa sensación infantil que tienes cuando miras un hormiguero, y no ves las hormigas pero sabes que están todas ahí debajo.

¿Podemos relacionar esas vistas “superiores” como la visión de una ciudad sin gente? (lo cual tiene algo de huida)

Más que de huída, de distancia sin irte al campo. Ahí arriba es como una ciudad light, casi libre de la carga de ruido, bullicio y agobio, pero aún ciudad.

Entrevista realizada por correo. Agradecemos a Laia Beltrán su colaboración.

Miguel Herranz | Tejados de Barcelona
Miguel Herranz | Tejados de Barcelona
Miguel Herranz | Tejados de Barcelona

[…]

Si no quieres perderte nada, puedes suscribirte a nuestra lista de correo. Es semanal y en ella recordaremos todo lo publicado durante los últimos días.

c




¿Quieres publicar una revista?, de Angharad Lewis (Editorial Gustavo Gili) Traducción de Álvaro Marcos | por Francisca Pageo

Angharad Lewis | ¿Quieres publicar una revista?

Editorial Gustavo Gili trae, bajo la atenta mirada de Angharad Lewis, el libro ¿Quieres publicar una revista?  Autoedición, diseño, creación y distribución de publicaciones independientes, que como bien indica el título va destinado al proceso y publicación de pequeñas ediciones alternativas a las revistas convencionales que solemos ver en el mercado.

Estamos en una época en la que los parámetros de la publicación editorial están cambiando y transformándose constantemente, por lo que la autora de este libro, junto con la ayuda de otros colaboradores, ha logrado recopilar el conocimiento necesario para acercar este terreno a todos aquellos que desean, curiosean o buscan publicar una revista (e incluso fanzine) algún día. En esta publicación, se recoge la opinión de algunas de las voces más importantes en el ámbito de las revistas independientes, convirtiéndose en una guía de referencia bastante completa y perspicaz de qué es una revista y cómo abordarla. Así, cada capítulo incluye ejemplos de estudio de revistas y aporta los diversos aspectos y formas de la edición.

Diversas cosas a tener en cuenta para crear una revista son el papel (este puede ser reciclado e ir enfocado a la ecología, o no), la presencia online y digital que ha de tener (obviamente, en estos tiempos que corremos, es algo indispensable), la aportación cultural o social que conlleva, el presupuesto desglosado y final, el equipo que conformará la revista, la publicidad, la impresión, las diferentes suscripciones y el distribuidor.

Las diferentes entrevistas que incluyen el libro resultan importantes y necesarias pues ellas son de personas que viven -y conforman- el ámbito editorial. Tenemos a Jefferson Hack (director de Dazed & Confused), Johanna Agerman Ross (fundadora y directora de Disegno), Penny Martin (directora de The Gentlewoman), John Waters y Simon Estarson (editor y director de arte de Eye), Sasha Simic (distribuidor de Central books), Marc Robbermond (librero), Tyler Brûlé (presidente/director de Monocle), Mark Shields (impresor de CPI Colour) y Peter Biliak (innovador y fundador de Works That Work). Todos ellos nos dan su punto de vista, tanto objetivo como subjetivo, de qué es una revista para ellos y cómo, desde su puesto en ella, la llevan adelante. Estas entrevistas se hacen necesarias para poder ver el sector desde dentro y llevar a cabo nuestro proyecto, si este es el de hacer una revista. Nos dan consejos y alientan a seguir con nuestro sueño, diciéndonos sus pros y sus contras y cómo la ilusión y el esfuerzo nos llevan hasta ese lugar que deseamos.

Hacer una revista siempre viene de la mano de una pasión por algo en concreto: el amor por la cultura, por el diseño, por el arte, por el deporte, etc. Ella siempre escenifica nuestras pasiones y/u obsesiones. Los diferentes aspectos a considerar se hacen esenciales, como el mercado, los recursos, el presupuesto, la periodicidad, la energía empleada, el precio que debemos poner, el contenido, la impresión y su encuadernación; o incluso si esta será meramente digital. De hecho, se detallan las características de cada una de las diferentes publicaciones. Así, se han de tener en cuenta, además, todas las secciones de la revista (página de colaboradores, créditos, sumario, secciones varias, etc.).

Todos estos factores han de ir de la mano y unos dependerán de otros. De esta manera, en el libro se ponen ejemplos de revistas que por su forma o planteamiento al hacerlas nos aportan una visión particular y global del mundo editorial independiente. Es un libro muy actual porque además comenta los entresijos que se dan a la hora de crear y publicar una edición (se tiene en cuenta cómo patrocinar la revista e incluso cómo el micromecenazgo nos puede ayudar para sacar adelante nuestra publicación. Todo esto se ve en ejemplos de proyección financiera). De este modo, estamos ante un libro muy cuidado y específico de los diferentes pasos que hay para crear una revista de la nada, y que nos ayudarán y guiarán para su publicación en todos los aspectos.

[…]

Si no quieres perderte nada, puedes suscribirte a nuestra lista de correo. Es semanal y en ella recordaremos todo lo publicado durante los últimos días.




Julia Margaret Cameron (Fundación Mapfre) | por Francisca Pageo

Julia Margaret Cameron

Esta pasada primavera, Fundación Mapfre dedicó en Madrid una exposición, coorganizada junto al Victoria & Albert Museum de Londres, a la figura de la fotógrafa Julia Margaret Cameron, reputada internacionalmente debido a su inmenso trabajo, mundialmente reconocido por lo especial, histórico y profundo que resulta. Este catálogo de la exposición que tenemos entre manos incluye los ensayos científicos de Marta Weiss (comisaria de la muestra y conservadora jefe de fotografía en el V&A Museum) y Juan Naranjo, aparte de las inmensas fotografías de Julia Margaret Cameron y un apéndice documental sobre la correspondencia entre esta y Sir Henry Cole, director del Victoria & Albert Museum.

La presente edición describe la historia, paso a paso, detallada, de toda la fotografía que Julia Margaret Cameron llevó a cabo, convirtiéndose sin duda en un catálogo realmente completo y que se puede tomar como referente para conocer la obra y vida de la autora. Se presenta toda una colección de fotografías y correspondencia de Cameron, contada por volúmenes en los que cada sección se ocupa de un tema extraído de algunas de las cartas de Cameron a Sir Henry Cole.

Julia Margaret Cameron descubriría tarde su vocación, ya que fue a raíz de un regalo de su hija Julia y su yerno Charles Norman, una cámara, que Cameron empezaría a fotografíar. En menos de 18 meses, la fotógrafa ya habría definido su estilo propio, haciéndose así conocida dentro del mundo fotográfico y cultural. De este modo, la autora entraría en los círculos artísticos y literarios de su época; pero no todo fue color de rosa. Sus fotografías desenfocadas, evocadoras, etéreas, como si pertenecieran a otro mundo, no serían muy aceptadas en su mayoría por los críticos de arte, teniendo así un público enormemente dividido. Por un lado, el academicismo imperante no reconocería como fotografía habitual su trabajo, ya que el estilo que predominaba en aquella época sería figurativo y extremadamente representativo de la realidad; pero los críticos con una mirada más artística reconocerían en la figura de Cameron una delicadeza rompedora y transgresora. Su uso de la fotografía fue controvertido debido a que no jugaba a lo mismo que sus contemporáneos.

Cameron, cuyo espíritu era libre y revolucionario, retrató a su familia, a sus amigos, a conocidos y a personajes del mundo aristocrático de aquel entonces, haciendo así una fotografía social pero también personal y, como podríamos decir actualmente, de autor. A lo largo de su carrera retrataría a muchas mujeres representando personajes literarios y alegóricos, representando figuras históricas y religiosas. Y es que Cameron era una ferviente cristiana y eso se vería enormemente reflejado en su obra.

Uno de los motivos, aparte del interés por lo pictórico, que tenía Cameron para dedicarse a la fotografía era también conseguir dinero con las copias de sus imágenes para aliviar los problemas económicos de su familia. Sin embargo, sus aspiraciones eran y son muy similares a las de un fotógrafo de arte contemporáneo. Cameron aspiraba a que su fotografía evocara sensaciones y emociones. La fotógrafa quiso hacer imágenes que elevaran el espíritu y es así como las podemos ver, fotografías que nos hacen soñar, que nos alientan, que poseen “un ángel”; quizás por su desenfoque, quizás por la sensible mirada que Cameron poseía. Su fotografía se trata, principalmente, de un estilo emocional, en la que el sentimiento y la intuición lo inundan todo. Es casi pictórica, como si las placas fotográficas de Cameron hiciesen de pincel, suavemente balanceado, suavemente desenfocado. Y, sin duda, es este un catálogo para atesorar y en el que emocionarse, en el que sentir el espíritu de Cameron y su obra se hace esencial.

Julia Margaret Cameron

Julia Margaret Cameron

Julia Margaret Cameron

Julia Margaret Cameron

Julia Margaret Cameron

Julia Margaret Cameron

[…]

Si no quieres perderte nada, puedes suscribirte a nuestra lista de correo. Es semanal y en ella recordaremos todo lo publicado durante los últimos días.




Cómo crear una fotografía, de Mike Simmons (Editorial Gustavo Gili) | por Francisca Pageo

Mike Simmons | Cómo crear una fotografía

Dentro de la colección Manuales de fotografía creativa aplicada tenemos este libro sobre cómo crear una fotografía de la mano de Mike Simmons, fotógrafo, profesor e investigador de De Montfort University, donde dirige el máster en Fotografía. Gracias a él tenemos aquí un libro dedicado a todos aquellos amantes y estudiantes de dicha disciplina, aunque también podría extrapolarse a las demás artes visuales en sí, puesto que reúne características que se entremezclan con ellas. De este modo, y a raíz de los temas propuestos, Simmons nos propone toda una serie de pautas y técnicas a la hora de crear un proyecto fotográfico. Este pasará desde la búsqueda del tema y su profundización, hasta diversos estudios de fotógrafos ya consagrados para que así nuestro ojo y mente se vaya habituando a lo que la fotografía nos puede dar.

Algunas de las pautas propuestas serán: el proceso creativo, la elección del tema, la forma de las ideas y sus perspectivas, la búsqueda de información, la exploración de los diferentes géneros que hay dentro del mundo fotográfico, la creación de un vocabulario visual, la reflexión sobre la realización de imágenes, la inspiración, influencias y referentes que se han de tomar, la organización y gestión de un proyecto, así como la presentación del trabajo al público, que bien puede ser a raíz de exposiciones y/o en libros artesanales o electrónicos. Como se ve, se trata de una suma muy completa de cómo podemos llevar a cabo una serie fotográfica que nos irá haciendo entender por qué fotografiamos, para qué fotografiamos y qué podemos sacar de ello.

A raíz de una serie de ejercicios, el autor nos irá indicando por dónde podríamos o deberíamos llevar nuestro proyecto. Hará hincapié en la búsqueda teórica para así manejarnos en el propio discurso que la fotografía nos ofrece, como también hará hincapié en las pautas a seguir para poder practicar con nuestra cámara. La multitud de referencias e inspiración que podemos encontrar en el libro es sumamente importante, haciéndose así un libro no sólo técnico (aunque no tanto, pues no es un manual de cómo utilizar la cámara) y teórico para el uso correcto de la fotografía, sino que también nos propondrá todas aquellas maneras y miradas que las imágenes nos ofrecen. Los fotógrafos e imágenes representadas nos inspiran para tratar de crear nuestra propia mirada, partiendo del hecho de que somos aquello que consumimos y también somos aquello que miramos. Cada persona sacará -o intentará sacar- de este manual una mirada propia sobre la que hacer uso a la hora de poner nuestra práctica fotográfica en marcha.

De este modo, estamos ante un libro esencial para aquellos que aún se piensan y se consideran amateurs, pues los ayudará en su proceso artístico, como también para aquellos fotógrafos a los que les gusta tener referencias y tácticas para poder llevar a cabo e inspirarse. Mike Simmons ha logrado condensar en tan sólo 163 páginas casi todo aquello que podemos encontrar en la fotografía, y no está de más agradecerle su labor, como docente fotográfico que es.

[…]

Si no quieres perderte nada, puedes suscribirte a nuestra lista de correo. Es semanal y en ella recordaremos todo lo publicado durante los últimos días.




Mi Guerra, de István Szegedi Szüts (Sans Soleil) | por Juan Jiménez García

István Szegedi Szüts | Mi Guerra

En ese periodo de apogeo de la novela gráfica que fue el periodo de entreguerras, era inevitable que uno de los temas tratados debía ser la propia guerra que había quedado atrás. Una guerra que seguía siendo una herida abierta y, aún más, para los perdedores. No era fácil representar aquella guerra, pero tampoco haber pasado de un pasado glorioso a un presente desastroso. Era años convulsos y el arte, como la literatura, buscaban su reflejo, como salidos de una pesadilla, llenos de interrogantes. Hay que entender que este también fue el momento fuerte del cine, del cine mudo, convertido en foco de atracción (y pasión) para no pocos artistas, y la novela gráfica que surgía por aquellos años lo reflejó de distintas maneras: primero con su ausencia de palabras y luego con su sentido del plano-lámina. Todo esto, tiempo, técnica, desilusiones, se puede encontrar en Mi guerra, la obra de 1931 del húngaro  István Szegedi Szüts que ahora edita Sans soleil.

Mi guerra cuenta una historia sencilla. La del joven granjero que, con el comienzo de la guerra, es reclutado para formar parte del glorioso ejército de austrohúngaro. En esos tiempo de propaganda y nacionalismo exacerbado, el futuro no puede presentarse más glorioso, pero la guerra no tarda en aparecer como la realidad qué es. El sueño se convierte en pesadilla y la muerte está con todos, convertida en la verdadera patria común. Ni tan siquiera su final alejará los fantasmas, convertidos en otra cosa. Queda rebelarse contra todo ello, para encontrar que la muerte sigue estando ahí. Como siempre.

Lo primero que sorprende de la novela es la técnica usada. Frente al habitual grabado, Szegedi Szüts utiliza la tinta y el pincel. Ese cambio le da una expresividad única. Aunque su referencias siguen estando ahí presentes (pienso en el expresionismo y, en particular, Georges Grosz, que está un poco por todas partes pero más evidente en láminas como la 66 o en la representación de los oficiales), esta técnica le permite jugar especialmente con el fluir de la tinta y el espacio en blanco de la página. Lejos de plegarse a una línea en las más de doscientas láminas, en cada una de ellas utiliza distintos recursos, desde el esbozo (que va desde usar trazos mínimos, esquemáticos, hasta la “mancha” de tinta) hasta el expresionismo más feroz, que conjuga con los más diversos niveles de detalle.

Mi guerra no renuncia absolutamente a nada. Como novela en imágenes, apenas si nos da algunos títulos (prácticamente innecesarios) para las láminas, para pasar a dejarnos solos en sus últimas páginas. Pero en a nivel visual es una interrogación permanente sobre cómo expresar cada escena y cada sentimiento que la atraviesa. Fragmentos como La visión del joven húsar, con la cabalgata de la muerte, o el de la violación (con su desarrollo tan cinematográfico), nos muestran una obra en la que todo ha sido pensado y en la que ningún trazo ha sido dejado al azar, desde el minimalismo de alguna de sus láminas al maximalismo de otras tantas. István Szegedi Szüts construye así un relato que es también una búsqueda de la expresión a través de la forma, del negro frente al blanco, del hombre frente al espacio y la muerte.

[…]

Si no quieres perderte nada, puedes suscribirte a nuestra lista de correo. Es semanal y en ella recordaremos todo lo publicado durante los últimos días.